川崎拓也・平牧和彦『東京喰種 トーキョーグール【S】』

登場人物たちの武器としての肉体=器官(「赫子」)から爆ぜる赤い火花や肉片、戦いの中で飛び散る血飛沫が、終盤のあるカットで、高層ビル群の無数の赤色灯に重なる。

ここにおいて(両者の「きれい」さが画の中で通じ合うことで)、喰種たち自身、そして死なない彼らの血みどろで終わりのない戦闘が、都市と一体化していることが示される。

つまり、喰種という存在は、都市でしか生きることができない、という意味をそのままあらわしてもいる(まさにタイトル通りだ)。

まず、引きの画で、その場面の広さと、奥行きのある空間をきっちり確実にとらえることを忘れない。そこで提示される、都市の(日常)風景、の現実味がスクリーンで見られること、がまず魅力的だ。

その後の、登場人物たちのカット、個別のアップショットなどが、まさに、ちょうどよい長さになっていると感じる(これも感覚的なものでしかないのだけど)。

その無駄に長くないカットのおかげもあるのだろう、例えば人物のカットバックが、ただの会話のリレーをこなすためだけに見えずに、キャラクターの描写、彼らのその時の感情がおしつけがましくなく適度にこちらに伝わるような見せ方になって、その画が、これまた心地よいテンポで編集され繋がっている。

おそらく手持ちのカメラで撮られているからこその微細な画の揺れも、リアリティのある質感に好影響を与えている(喫茶店あんていくの外観をサッと撮っただけのようなカットなど)。

なので、ともかくまず、一見なんてことのないシーンが魅力的(例えば、大学にやってきた月山とカネキの、外にあるテーブルでの会話シーンにおける、両者の姿の見せ方のバランスの妙)であり、そしてその上で、無論アクションシーンも素晴らしい。

コスト的な問題もあるのかもしれないが、とにかくタイトにまとめられている。だが、そこでの見せ方にも工夫を感じられるので、不足を感じない。それは、有機物・無機物の質感の混合がおもしろいCGや、いい意味で漫画的なキメの画、ところどころスローの使い方も、多少過剰ではあれど、それでもきちんとして筋の通ったセンスが存在しているということだ。

(例えばこのインタビューで言及されている、『ロスト・イン・トランスレーション』や『アメリカン・サイコ』といった作品の「わかる」感)

animageplus.jp

この作品の2人の監督がもともとCMを撮っていたことに、必要以上にひきつけることはないにせよ、まずCMというものが、何よりも、15秒ないし30秒という短い尺で、固められたフォーマットで、きっちりとまとめて、見せるべきものを見せるという「形式」によって規定されているものであり、そして、その考え方は、長編の映画においても有用であるということをふまえて、今作は作られているのではないか。

www.creators-station.jp

(ここでも監督の、記述していることとは少しずれてはいるが、《縛りがある方が面白い》という発言がある)

過度に「映像派」的になることや、長編映画を撮るという機会でこれ幸いとばかりに、冗長で入り組んだ映像を構成すること、だけが、CM出身の映画監督としての振る舞いではない、ということ、だと思う。

サイモン・キンバーグ『X-MEN:ダーク・フェニックス』

期待してた通り良いじゃないっすか。タイトで引き締まった仕上がりで、なんだったらブライアン・シンガーの過去作より全然おもしろい。ただ、かなり、というかはちゃめちゃ女性(のキャラクター)に関する描写や展開がひどくて絶句した。おもしろいからこそ、そのひどさが余計気になるというか。監督のオブセッションなのかと思うくらい。ブライアン・シンガーは少なくとも、映画の中においてはここまでひどく女性を痛めつけることはしなかった、と思う(無視はしてたかもしれんが)。

公開前に見ることのできる本編映像内で、レイヴンが発する、"X-WOMEN"というフレーズを含む、結局男たちは女性(の犠牲)によって救われているだけだ、というチャールズへの抗議が、まるで呪いのように映画を支配し、まるで報いのように女性たちが痛めつけられ、映画の世界から排除されていく。

そして列車のシーンはやっぱり白眉。車両の中を前進する動きと戦闘の進行の連動、列車の上層と下層にそれぞれ対立するキャラクターを配置したりなど、運動と空間を結びつける巧みな演出、そしてそれらの前提を無効化してしまう強大な力としてのジーン。その前のニューヨークのシーンで、エリックが地下から"取り出す"地下鉄の車両ですでに次のシーンのモチーフを予言してるのも良い。一瞬そもそもなんで列車?と思うが、「収容所」へ人を運ぶのは列車しかない、ということなのだろう。

それを言うと、サイモン・キンバーグもブライアン・シンガーユダヤ系であって、そうなるとマシュー・ヴォーンが『X-MEN:ファースト・ジェネレーション』でエリックの幼少時のシーンをあからさまに描出したことの問題性について考えずにはいられないわけだけども。

2019年上半期ベストアルバム&トラック

順不同です。

サカナクション『834.194』

open.spotify.com明らかにシングルコレクションの趣きもありながらそれにとどまらない多様性。

Lucky Daye『Painted』

open.spotify.com恒例の(?)メロウ枠。

Future『SAVE ME』

open.spotify.comソウルフルフューチャー、望むところです。

GoldLink『Diaspora』

open.spotify.com良いシンセ。

PAELLAS『sequential souls』

open.spotify.comこの手の(この手の?)日本のバンドの中で、ボーカルのテイストが一番好き。

J-E-T-S『ZOOSPA』

open.spotify.com聴いててずっと楽しい。アンビエント、ダンス。

Denzel Curry『ZUU』

open.spotify.comかっけー。

YG『4REAL 4REAL』

open.spotify.com洗練された、上品でシンプルなギャングスタ

Steve Lacy『Apollo XXI』

open.spotify.comラフでとっちらかってて、しかし太い芯がある。

Flying Lotus『Flamagra』

open.spotify.com不穏でキュート。

Tyler, The Creator『IGOR』

open.spotify.comエモく、泣ける。

Marvin Gaye『You're the Man』

open.spotify.com今の音とミックスで聴く衝撃。正直みんな抜き去っている。

TWICE『FANCY YOU』

open.spotify.comTWICEをまだ良いと思える感覚が自分の中に残っていたのがうれしいね。このメロディーを嫌いな人いますか?

Matt Martians『The Last Party』

open.spotify.comめっちゃ選び抜かれた音色。センス!

Beyoncé『HOMECOMING: THE LIVE ALBUM』

open.spotify.com懐かしさもあるが、当然むちゃくちゃアクチュアル。歌詞も今こそ輝く。旦那も友達も最高!

Anderson .Paak『Ventura』

open.spotify.comメロウ……。

餓鬼レンジャーティンカーベルネバーランドの妖精たち〜』

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杏沙子『フェルマータ

open.spotify.comグッドメロディー、グッドボーカル、グッドリリック。つまりグッドミュージックです。

ANARCHY『The King』

open.spotify.comこわいこわい…。フロウ豊かすぎる。若手はみんな負けてると思った。

2 Chainz『Rap or Go to the League』

open.spotify.comいいサンプリングですね。ラップはタフだし。

『Spider-Man: Into the Spider-Verse (Soundtrack From & Inspired by the Motion Picture) 』

open.spotify.comこういうのを若い子がガンガン聴く世界最高。

Ariana Grande『thank u, next』

open.spotify.comダークでレイドバックしてる。粘り気のあるリズムと歌声。

Logic『Supermarket(Soundtrack)」

open.spotify.comまじわけわかんねえ。ただひたすら謎。

 

 

Beastie Boys「Triple Trouble (Brainpower Remix)」

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モーニング娘。'19「青春Night」

youtu.be

in-d「On My Way」

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the peggies「スタンドバイミー」

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Alan Silvestri「Portals」

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tofubeats「netemo sametemo」

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鈴木雅之 「ラブ・ドラマティック feat. 伊原六花

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ゴールデンボンバー「ガガガガガガガ」

youtu.be

tofubeats「Plastic Love」

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ジョン・ワッツ『スパイダーマン:ファー・フロム・ホーム』

ヴェネチアでの序盤の戦闘シーンがバスター・キートンみたいで最高!…まぁあれを実際にやってたキートンはすげえって話なんですが(という以下に関係のない感想のようだがあながちそうとも言えない)。

 

映画を見ることは、始まりからイメージに騙られることだ。それは映画が終わるまで続く。終わると同時にしか、我々は騙られていることに気づくことができない。

この「始まり」と「終わり」は、全ての個々の映画作品におけるのはもちろんだが、もしかすると、映画の歴史という単位においてもそうなのかもしれない。

ならば、我々は、映画が誕生してから常に、たとえ映画を見ていない間でも、イメージに魅入られ、幻惑され、捕らわれ、騙され続けているだろう。

映画と現実の区別をつけることなど不可能であり、いわば、映画は終わらない、ということ(映画の歴史が終わらない限り…だがそもそも歴史が存在するのか、という問いはある)。

これを、互いに打ち消しあうフェイクニュースの延々と続く応酬、ディープフェイクなどの発展する科学技術による事実と虚偽の判別不可能性の強化、という現代の状況にあてはめることもできるだろう(そのような状況に、『ミスター・ガラス』を想起してしまった。MCU史上最もシャマランに肉薄した映画…)。今作のヴィランは、「まだ」フィクションの領域だが。

そして、今作を貫くのは「継承」というテーマであり、それはまさに、負の遺産も含めて、継承され続ける限り、何も終わることはできない、消滅することはないということではないだろうか(トニー・スタークも見舞われた事態だ)。

――さらに付け加えるならば、『スパイダーマン』の映画、作品群は、いかにサム・ライミ版を継承するか、に、後続の作品として挑み続けているとも言える(『スパイダーマン:スパイダーバース』はその典型だ)――

終わらないこと(戦いに終わりはない)、それ自体を継承する、ということ。たとえ子ども(たち)であっても、いやもしかしたら、未来のある存在であるがゆえに、そこから逃げることは(ジョン・ワッツ作品においては!)許されない。彼(ら)は強制的に、行き先を決め続けられる(「乗り物」に乗せられることによって)。なんと救いがない状況だろう。それが現代の(西欧諸国を放浪する少年少女による)ビルドゥングスロマンなのだろうか。そしてたどり着くさらなる苛烈で厳しい世界。そこでいかに生きるか、次作で提示することはできるんだろうか。

リドリー・スコット『ゲティ家の身代金』

劇場で見れず、ブルーレイでようやく鑑賞。見終わって、おもしろすぎて放心状態になってしまった。近年のリドリー・スコット作品の中で一番好き。さらに言えば、今年見た映画の中で(とか言っても大した数見てないけど)一番食らった。

 

異様に細部が艶やかな画面によるオープニングから始まり、CGI、セット、ロケ、ともかくむちゃくちゃリッチな、半端ない画が乱れ撃ちで圧倒される。

金、価値、「肉」と肉体、冗談("joke")と嘘と真実、芸術と税金、無数のモチーフが、ちりばめられ多重化し、焚かれたフラッシュの点滅のごとく我々の目の前に次から次へと休む暇なく現れて混乱させながら、この映画の「世界」(All the Money in the World)へと引きずりこむ。

 

そして、ある種時流によって起こったキャスト交代劇があったが、それ以前にもそもそもかなり反時代的な作品だと思う。

 

誘拐されたポールの母親ゲイルが、孤軍奮闘する、そして事件解決への道を切り開く、という風にこの映画を切り取ることには違和感を覚える。

 

売春婦、ゲティに無視される秘書(なぜか彼女は早々に映画から退場し、代わりに常にその名をゲティに呼ばれる男性執事が登場する)、誘拐グループに常にいる家事・炊事をこなす女性、クレー射撃をする(孫?)娘(?)たち、身代金を数える女たち、と、同じように、結局の所、核心の部分で、彼女(たち)は事件の(「映画」の)蚊帳の外に置かれてはいないだろうか。彼女が「交渉」をする時、そばには常に弁護士か、警察がいるのも象徴的だ。

 

「女には交渉はできない」というセリフ、そしてこの映画における最大の交渉は結局男だけのものであったり、「女には苦労するな」「もうしてます」という男同士のやりとりとその場にいるゲイルへの目配せの薄気味悪さ(とあえて言おう)……この事件を動かし、進展させるのは、被害者の少年の家族でも、事件の周囲に現れる女性たちでもなく、彼となんら血縁関係のない、偶々彼と関係を持ったに過ぎない男たちだ。

 つまり今作も、やっぱりここで書いた通りの反血統主義、反出生主義なんだと思う(そこに反女性主義すら読み取るのは穿ちすぎだろうか?)。血統への固執、こだわりの形をとった忌避、というねじれた振る舞いが為されている。 

ジョエル・エドガートン『ある少年の告白』

他の俳優よりも、監督本人が演じるキャラクターが登場した瞬間から映画が引き締まるという事態。

映画の中で、秘められること、詳らかに、露にされないことを扱うと、必然的に、それにまつわる言葉や動作といった、ある程度、同じ場に居合わせる人物たちの間で共有できるアイテムは、大っぴらに使うことができない。

そして、ある場面で、秘匿されるものの存在を示唆し、観客と、一部の限られた登場人物に知らせるために、使用するものとして、人物の視線、が存在する。

なので、映画において、隠されるものとしての同性愛を描くと、視線劇にならざるをえないということだろう。

本作には、まさに、視線について、はっきり言及する登場人物もいるので、特にその点に意識的だと思う。一方が他方を見つめることの、ある種の誘因性、それが転じるものとしての攻撃性。

ザ・ギフト』をふまえると、今作ももしかして反出生主義なのか?もちろん単にそう、というより、複雑に入り組んでいる。葬儀のモチーフ、まるで集団リンチのような状況など、やはり何かとんでもなく禍々しいことが起こっているのは確かだ。

兼本浩祐『なぜ私は一続きの私であるのか ベルクソン・ドゥルーズ・精神病理』

あるひとつの「もの」(他者、外部、環境)があり、そして、それらが、この世界の、時間の流れの中で、複数になる時、その「もの」たちが、反復し、時間的に連続している、統一されていると感じて・認識して(「縮約」して)、その「もの」たちをカテゴライズし、名づける、そのような仕組みを持つ存在こそが、「わたし」である。

つまり、「わたし」が先行するのではなく、「もの」たちによって、「わたし」が形作られる、ということ。昨日と今日の「わたし」が連続した存在であると保証する力は「わたし」自身には無く、「もの」たちの方にある。

そして、(精神的に、ないし肉体の機能的に)「もの」たちが反復・連続していると認識できなくなる時、「もの」たちが一つ一つ、全て一回性の存在となり、「もの」たちと都度都度初めて出会いなおし続ける事態になった時、「もの」たちによって担保されていた「わたし」の連続性は断ち切られ、「わたし」は成立せず、融解することになる。

本の中に登場する、芸術と哲学と科学を、2つのベルクソンの「縮約」を軸に一つながりとして提示した図が、めちゃくちゃ腑に落ちた。上記の言い方で言うなら、芸術は、"「もの」たちと都度都度初めて出会いなお"す、"全て一回性"の営為であり、科学は、"「もの」たちが、反復し、時間的に連続している、統一されている"前提のもとに成り立つもので、哲学はこの2つの間をどうにかしてとりもとうとしている、という感じ(でも哲学は、とりもつ前には興味があるけど、とりもった後は科学に任せてあとは知りません、という感じ)。

https://twitter.com/niwashigoto/status/1133613653175914497

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